El mantón de Manila es un complemento de vestir femenino, muy popular en Madrid (por sus trajes de chulapas) y Andalucía, asociado generalmente a las bailarinas de flamenco.

Su nombre está asociado al puerto de Manila (Filipinas), donde la colonia española desembarcaba los productos traídos del Lejano Oriente durante el siglo XVI. En realidad el origen de esta prenda está en China donde se realizaban en seda y estaban bordados a mano generalmente de flores o pájaros. En un principio estaban decorados con dragones, diseños de bambúes o pagodas (decoraciones típicas chinas).

Sobre sus dimensiones es significativo mencionar que debía – por lo menos – cubrir toda la espalda y llegar al extremo de cada brazo, cuando éstos se ubican en posición de cruz con el torso. Por otro lado es de destacar que cuanto más liviano esté confeccionado, mucho mejor para poder soportarlo cómodamente sobre el cuerpo y lucirlo con más prestancia al efectuar movimientos o figuras (en este último caso y más precisamente, se hace referencia a su utilización generalizada por las bailarinas (bailaoras) de flamenco).

En la época imperial española (siglo XVI) el comercio marítimo se concreta en varias rutas: una de ellas es la ruta de Manila a Veracruz (México) y a Sevilla (Andalucía). Sevilla conoce el mantón traído de Manila (de ahí su nombre) muy prontamente, y algún pueblo del Aljarafe, como es Villamanrique, estuvo relacionado con este comercio, por ser el marqués de Villamanrique Virrey de México.

En poco tiempo, las decoraciones chinas de los mantones fueron sustituidas por motivos autóctonos; desaparecieron los dragones, el bambú y las pagodas y aparecieron rosetones y pájaros, rosas, claveles y otras flores, cada una con su significado (lirio: pureza; margarita: impaciencia; rosa: secreto; girasol: fidelidad). También fue en España donde se le añadieron los flecos.

Poco a poco, el mantón de Manila se fue convirtiendo en una prenda habitual del vestido femenino por toda la geografía española (en Madrid las chulapas, las mañas en Aragón y los mantoncillos en diversos trajes regionales son muy comunes también…), pero más especialmente en el sur, tanto entre las mujeres pudientes de la alta sociedad como entre las clases populares. La moda pasó y el mantón dejó de ser vestido cotidiano, pero quedó asociado al vestuario flamenco, sobre todo de bailaora, y a los vestuarios regionales.

En la actualidad se hacen concursos y exposiciones de mantones y se confeccionan auténticas maravillas.

La primera Dama de los Estados Unidos,  Michelle Obama, se llevó uno de regalo en un viaje de carácter privado que realizó a España. Se le regalaría pensando que era el obsequio más significativo del país que visitaba para una dama.

VIDEO «EL MANTON DE MANILA»

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La guitarra es un instrumento musical de cuerda pulsada, compuesto de una caja de madera, un mástil sobre el que va adosado el diapasón o trastero, generalmente con un agujero acústico en el centro de la tapa y seis cuerdas. Sobre el diapasón van incrustados los trastes, que permiten los diferentes tonos. Su nombre específico es guitarra clásica o guitarra española.

Es el instrumento más utilizado en géneros como blues, rock y flamenco, y bastante frecuente en cantautores. También es utilizada en géneros tales como rancheras y gruperas, además del folclore de varios países.

Cuando el instrumento es más pequeño que una guitarra se denomina requinto y cuando es más grande guitarrón. Este último es de uso frecuente por los mariachis.

Entre los instrumentos que surgieron en Europa en el periodo medieval se  encuentra el instrumento conocido ya en varios países como guitarra,  aunque no con la forma que nosotros conocemos en la actualidad. El modelo  de guitarra actual, la guitarra clásica o española, nació según la mayoría de  los investigadores en los reinos hispánicos hacia el siglo XIV. Ahora  bien, las divergencias se encuentran a la hora de señalar por qué camino llegó la guitarra a la Península Ibérica, cuál fue su antecedente más directo como instrumento y sobre todo, a qué pueblos o culturas hay que atribuir su creación.

En la obra de Maurice J. Summerfield (tercera edición 1992, Ashley Mark  Publishing Company), se ofrece una interesante hipótesis sobre el origen de  la guitarra española. Summerfield opina que debe descender de los  instrumentos romanos tanbur o cithara, llevados a España por los romanos  aproximadamente en el año 400 d.C. Esta teoría se opone frontalmente a la  convencional, que dice que el antecesor directo de la guitarra es el ud,  instrumento llevado a España por los moros después de la invasión de España  durante el siglo VIII.

Cualquiera de estas dos teorías podría ser aceptada como válida, pero a fin de cuentas, lo que nos va a dar la clave del surgimiento de la guitarra es el contexto histórico y cultural en el que se produce. Es decir, si tenemos en cuenta que a lo largo de la mayor parte del periodo medieval en el que se formó la guitarra reinos cristianos y musulmanes se disputaron el territorio de la península Ibérica, y que esa larga y obligada convivencia provocó una constante mezcolanza de población y culturas, parece lógico pensar que la guitarra, más que un instrumento musical de raíces únicamente europeas o árabes, debe ser considerado como un instrumento que nació en la Edad Media como consecuencia del contacto, intercambio y mutua influencia de las culturas hispano-cristiana e hispano-musulmana, sin olvidar la influencia de la música de la población de origen judío.

A finales del siglo XV apareció la vihuela, nacida al añadir dos cuerdas y  aumentar el tamaño a la anterior guitarra. Aunque la guitarra en aquel entonces ya existía, la vihuela y el laúd siempre ensombrecieron a esta.

Solo a partir del siglo XVIII y a principios del XIX, las guitarras comenzaron a usar  seis cuerdas y se añadieron las costillas a la tapa armónica, reforzando la estructura y permitiendo adelgazar la tapa, obteniendo así mejores sonidos. Se comenzó a utilizar un mástil reforzado y elevado (diapasón) usando ébano o  palisandro y se sustituyó el antiguo clavijero de madera por el clavijero de tornillo. Estas guitarras son reconocidas indudablemente como las primeras guitarras clásicas.

Hacia el año 1850, la guitarra se preparó para el mayor desarrollo de su historia.  Antonio Torres Jurado refinó los soportes de la tapa armónica creando el actual  abanico. Aumentó la caja de resonancia y el ancho del mástil. Gracias a estas  mejoras, el volumen del sonido y la respuesta de los bajos fueron sorprendentemente mejorados. Ahora la guitarra estaba preparada, no solo para la interpretación solista, sino también para la interpretación en un grupo instrumental. Si quieres conocer mejor a este ilustre personaje y su aportación a la guitarra española puedes visitar el Museo de la Guitarra Española ‘Antonio de Torres’.

La guitarra flamenca

En cuanto a la guitarra flamenca, su toque, su aire, es libre y vagabundo y, sin embargo, la realidad es que está aprisionado en una inexorable vestidura rítmica, en un compás que varía según los estilos, pasando del rasgueado a las falsetas. Por todo ello, la guitarra ha cumplido en la historia del arte flamenco un capítulo de singular importancia, algo fundamental y clave, una labor digna de encomio al dar salida y entrada de la copla, al cante y cerrar los últimos tercios. Máxime si tenemos en cuenta que los tocaores flamencos –salvo rarísimas excepciones– no leen música, sino que saben música por intuición, a través de una extraña y luminosa disposición de su sensibilidad. De ahí que la improvisación del tocaor flamenco sea continua. Una improvisación que, por otra parte, es la causa de la riqueza expresiva de la guitarra flamenca, incomparable en el ámbito universal de la música, para asombro de propios y extraños, y parte importante de que el flamenco haya sido nombrado Patrimonio de la Humanidad.

La nómina de guitarristas flamencos es sumamente extensa a partir del granadino El Murciano (1795-1848), quien asombró con su arte al compositor ruso Glinka. Le siguieron, entre otros, payos y gitanos: el Maestro Patiño, el Maestro Pérez, Paco El Barbero, Paco de Lucena, Miguel Borrull, Amalio Cuenca, el Maestro Bautista, Salvador Ballesteros, Ramón Montoya, Carlos Montoya, Melchor de Marchena, Niño Ricardo, Esteban de Sanlúcar, Sabicas, Currito de la Jeroma, Manuel Cano, Mario Escudero, Juan Serrano, Manuel Morao, Juan y Pepe Habichuela, Andrés Batista, Serranito, Paco Cepero, Manolo Sanlúcar, Parrilla de Jerez, Paco de Lucía, Enrique de Melchor, Gerardo Núñez, Moraíto, Rafael Riqueni y Vicente Amigo. Guitarristas, la mayoría de ellos, que han alternado sus actuaciones de acompañamiento del cante y del baile con giras de conciertos.

La guitarra española ha sido glosada por poetas y escritores. Recordemos que José María Pemán la llamó «desnudo sonoro». Y Tomás Borrás escribió: «Guitarra del pecho roto,/ estás hecha al sentimiento./ La prima grita la herida,/ el bordón dice el misterio./ Tu canción es preludio/ preludiar eterno./ melancolía de la muerte./ anhelo, angustioso anhelo/ y dolor indefinido,/ y locura de noche y deseo,/ palabras sin sentido en las falsetas./ y sollozar de rasgueo». La dimensión musical y asombrosamente variada de la guitarra es admirada por todo el orbe. Es, por lo tanto, auténticamente lógico que signifique, indiscutiblemente, un orgullo español desde el ayer al hoy.

La fabricación de la guitarra

¿Cómo se construye una guitarra española? ¿Qué hace tan especial el hecho de construir una guitarra? ¿Por qué hay una profesión especializada en su creación? ¿Dónde residen las dificultades? Todas estas preguntas conducen a una antigua profesión: la luthiería.

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La cerámica popular en España se fabrica siguiendo todavía un procedimiento que en general es muy tradicional y rudimentario; y que si bien es bastante común a la mayoría de los centros aún existentes, cuenta con algunas particularidades propias que se hacen diferentes de unos a otros lugares.

A veces el término «cerámica» suele confundirse con el de «alfarería», si bien el primero es más amplio y engloba en cierta medida al segundo.

Los tres aspectos básicos para la fabricación artesanal de la cerámica en general son, sin duda, la arcilla, el torno y la cocción.

LA ARCILLA

 

EL TORNO

 

LA COCCIÓN

 

Historia

La cerámica aparece en el periodo Neolítico. Teniendo noticia de las primeras mesas o tornos movidos a mano 2.000 años a. J.C., apareciendo dos siglos antes de la era cristiana el torno de pie que aprovecha la fuerza centrifuga para el trabajo. Este torno es el que subsiste en España en la actualidad. Destaquemos que en algunos centros españoles se sigue utilizando el torno o mesa de mano igual que en la prehistoria.

Según las teorías difusionistas, los primeros pueblos que iniciaron la elaboración de utensilios de cerámica con técnicas más sofisticadas y cociendo las piezas en hornos fueron los chinos. Desde China pasó el conocimiento hacia Corea y Japón por el Oriente, y hacia el Occidente, a Persia y el norte de África hasta llegar a la Península Ibérica.

Desde el norte de África penetró el arte de la cerámica en la Península Ibérica, dando pie a la creación de la loza hispano-morisca, precedente de la cerámica mayólica con esmaltes metálicos, de influencia persa, y elaborada por primera vez en Europa en Mallorca (España), introducida después con gran éxito en Sicilia y en toda Italia, donde perdió la influencia islámica y se europeizó.

Durante los ocho siglos de presencia árabe en España, se elaboró, tanto en los territorios árabes como en los cristianos, una Cerámica de gran nivel que influyó en la producción de todos los alfares peninsulares y europeos.

Los procedimientos cerámicos, básicamente importados de Oriente, presentaron adelantos tecnológicos decisivos, como por ejemplo el esmalte blanco de estaño, el dominio absoluto de las técnicas de cocción y el reflejo metálico.

En Manises (Valencia) aún se conserva la cerámica de «reflejo metálico». Su proceso de fabricación es el mismo que la tradición Árabe-Morisca nos dejó. Son empleadas tres cocciones, siendo la última la más difícil en técnica y dominio

En España la cerámica arquitectónica tendrá un papel muy importante tanto en funciones estructurales como decorativas e higiénicas. Sin ninguna duda, el gran protagonista es el azulejo que es asimilado por los reinos cristianos y aparece en el arte mudéjar. En Aragón, a partir del siglo XIII utilizan una cerámica verde y negra sobre fondo blanco, elaborada mediante moldes o en torno. Con el tiempo, el uso en exteriores fue adquiriendo gran protagonismo. En los interiores, las piezas monocromas se emplearon como revestimiento de suelos y azulejería pintada como decoración. En Cataluña, los alfareros que eran cristianos, utilizaron los mismos colores que los islámicos, aunque por influencia del comercio se introdujo el azul desde el siglo XIII. La cerámica bicolor llegó a exportarse a toda Europa. En el siglo XV se impuso la estética gótico-cristiana y se fabricaron también en Cataluña artesonados cerámicos, zócalos y pavimentos pintados a mano alzada.

Los descubrimientos del siglo XVI, tanto en mineralogía como en química, propiciaron grandes avances en la cerámica con la introducción del vidrio opaco brillante de estaño, que será el punto de partida de una nueva familia cerámica. Desde España se exportará la mayólica. Los centros culturales renacentistas fueron Italia y Flandes, también para la cerámica. Los nuevos colores y las técnicas de la pintura hicieron que se extendiera su uso, en especial entre la nueva burguesía. Las exportaciones valencianas llevaron la moda a Italia, que en el Renacimiento adquirió los mismos niveles de desarrollo que la hispana, aunque con características propias.

El carácter itinerante de los ceramistas italianos hizo que su arte traspasara fronteras y Sevilla vivió esta influencia con Niculoso Pisano, que a finales del siglo XV introdujo en España la técnica pictórica «a lo italiano» combinándola con la de arista para los azulejos en serie. Durante el siglo XVI los azulejos de arista se exportaron a cualquier puerto del Mediterráneo, del Atlántico europeo o del americano.

Bajo el dominio de los Austria, en el siglo XV y principios del siglo XVI se conocieron en Amberes las vajillas doradas de Manises y también los azulejos sevillanos. Con el desarrollo económico que vivía la región y utilizando las novedades italianas, comenzó una producción cerámica que se desarrolló durante más de 250 años. Gracias a los emigrantes italianos aparece en Amberes, en el siglo XVI, la policromía. Esta actividad se extendió por España, Portugal y Norte de Holanda.

La ciudad de Talavera de la Reina, situada a orillas del Tajo en la provincia de Toledo, produce a partir del siglo XVI paralelamente a Sevilla y Cataluña- una Cerámica que recoge el espíritu de la nueva moda que afecta a todas las artes: el Renacimiento. Se abandona la abstracción del arte musulmán y se adoptan unos colores brillantes que sirven para subrayar el clasicismo de los motivos decorativos.

Esta Cerámica tuvo una gran aceptación entre la nobleza, la burguesía y las grandes órdenes religiosas, que fueron sus clientes habituales, pero también se exportaba a México, que entonces pertenecía a la corona española, ejerciendo una gran influencia en toda la producción Cerámica española y americana.  La crisis llegó en el siglo XVIII con la aparición de la fábrica de Alcora, de donde tuvieron que importar maestros. La serie policroma es la más importante de Talavera. Las superficies Cerámicas se conciben como soportes pictóricos que se decoraron con escenas figuradas mitológicas, alegóricas o religiosas copiadas de los grabados de la época.

Situada a escasos kilómetros de Talavera, la villa de Puente del Arzobispo, fue un importante centro de producción de Cerámica desde el siglo XVI. Casi todas las series de Talavera se repiten en Puente del Arzobispo, de manera que las piezas son tan difíciles de clasificar que se mencionan con la atribución común de Talavera – Puente del Arzobispo. Desde finales del siglo XVIII y durante el siglo XIX, la producción se caracteriza por el predominio del color verde y por la abundancia de pájaros y árboles de factura popular.

Cataluña había comenzado su tradición cerámica por la producción semi-industrial de baldosas en el siglo XV en Barcelona. En el XVI las importaciones de baldosas sevillanas de cuerda seca y arista desplazan las creaciones propias. La producción catalana se trasladó después a Reus, donde adoptan la estética renacentistas inspirada en la orfebrería con relieve. Poco después aparece la baldosa policroma con la adopción de los modelos italianos, así la azulejería se convierte en el aspecto más importante de la cerámica. Las creaciones suntuosas y decorativas para las iglesias, casas señoriales, calles y edificios son muy apreciadas, los azulejos revisten todas las paredes.

Mención aparte merece la aplicación de la cerámica en la construcción con la llegada del modernismo, de la mano de arquitectos como Gaudí y Doménech Montaner, en un movimiento cultural que une arte e industria y asume a la perfección los gustos y temas del momento: la revisión de estilos y la naturaleza. Con las innovaciones técnicas de la revolución industrial, llegadas de Inglaterra a Sevilla, cambiaron los esquemas de la producción cerámica tradicional. En 1841 Pickman se instaló en La Cartuja y con esta fábrica llegaron los moldes de yeso, la conformación en semiseco por presas mecánicas y se recuperaron antiguas técnicas con nuevos medios como la cuerda seca o la arista. Esta industria floreciente no acometería las reformas necesarias hasta 1960.

En la actualidad el interés por la cerámica y la alfarería se mantiene vivo a pesar de que muchos centros alfareros han desaparecido y otros están en a punto de desaparecer. Si quieres conocer más acerca de la cerámica puedes dirigirte a la  Asociación Española de Ciudades de la Cerámica.

El botijo

El botijo es un recipiente tradicional en España, que se utiliza para enfriar agua y conservarla fresca. El botijo está hecho de barro cocido y suele tener dos orificios, uno por el que se bebe y otro por el que se rellena. Existen varias formas y colores, sobre todo dependiendo de la región.

Es habitual en Castilla, Aragón y el tercio sur de la península (Extremadura, La Mancha, Levante y Andalucía).

¿Cómo enfrían el agua los botijos? Los botijos, por muy simples que parezcan, son capaces de enfriar el agua fría, incluso cuando la temperatura es elevada y, como todo en esta vida, tiene una explicación científica. El agua que introducimos en el botijo va poco a poco filtrándose por los poros de la arcilla y, al entrar en contacto con el ambiente seco exterior, el agua se evapora produciendo un enfriamiento. Ésta es también la razón por la que es más común encontrar botijos en la zona mediterránea y sur de la península ya que en ambientes húmedos no funcionaría tan bien.

Antes de utilizar el botijo por primera vez es recomendable echarle anis y agitarlo un poco (tapando los orificios antes si no queremos ponerlo todo perdido), si no hacemos esto el agua que le echemos después siempre nos sabrá un poco al barro del botijo.

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Las castañuelas son un instrumento de percusión con siglos de antigüedad; su origen se remonta al año 1000 ac. a los fenicios, una cultura inminentemente comercial, que prosperó en los países de la cuenca del mediterráneo: Grecia, Turquía, Italia,  España, etc.

Sin embargo, a través de la historia, ha sido España el país que ha conservado y ha desarrollado su uso desde entonces, las castañuelas son parte del patrimonio cultural de España (se consideran el instrumento nacional del país). Así, las castañuelas se utilizan generalmente para dar color y un carácter español a la música.

Las castañuelas consisten en dos pedazos de madera especial que son en forma de platillo profundo, generalmente  de castaño, aunque se han utilizado otras maderas y  materiales en épocas más contemporáneas. Se perfora cada par para poner una cuerda ornamental, que se coloca alrededor del pulgar. Los tonos de los pares son distintos, generalmente; el más bajo se llama macho (varón) y el  más alto hembra. El par que suena más alto normalmente se lleva en la mano derecha. Las conchas cuelgan hacia abajo y son manipuladas por los dedos. Cada instrumento está hecho a mano y conforme al tamaño de la mano de su usuario.

Este estilo español de tocar castañuelas  se utiliza con poca frecuencia por una orquesta sinfónica, no sólo porque son difíciles de utilizar y  dominar sino también porque hay solo  cuatro concertistas profesionales de castañuelas en el mundo. Normalmente las orquestas utilizan dos conchas unidas a un palito que el maestro percusionista hace vibrar.

Las castañuelas se emplean generalmente en música (para dar ese carácter español) como en Carmen de Bizet,  la Rapsodia España de Chabier, y el ballet El Cid de Massenet.

Wagner escribió para las castañuelas  la música de Venusberg en Tannhauser (1861). También ayudan a establecer el ambiente de la escena en la Danza de los Siete Velos en Salomé de Richard Strauss.  Britten las empleó en su “Hacemos una ópera”, donde imitan el grito de un pájaro en la noche. También utilizan con frecuencia para apoyar la estructura rítmica, como en el Tercer Concierto de piano de Prokofiev.  Las castañuelas se consideran quizás el más sofisticado de los instrumentos de percusión.

Asociadas en la actualidad con los bailarines de flamenco, se tocan rítmicamente o en “trinos“, añadiendo vivacidad y relieve a la danza, aunque su utilización no es exclusiva del folclore andaluz. En efecto, las castañuelas son igualmente populares en otras zonas de España. En este sentido, son remarcables las usadas en el folclore ibicenco y aragonés (la jota). Numerosos compositores de los siglos XIX y XX las introdujeron en sus obras para otorgarles un sabor de “sentimiento español”.

Manuel Vela Martínez «Filigrana», revolucionó este instrumento típicamente español: La Castañuela. Descubrió las castañuelas de “fibra” hace más de 50 años, incorporó a la castañuela la caja de resonancia e investigó durante 40 años sobre sus orígenes.

Los Materiales

El mejor material para la construcción de castañuelas es la madera, mejor cuanto más dura sea. Pueden ser de boj, de nogal, de palo santo, de ébano… Cuenta con especial aprecio la de granadillo, madera importada de América del Sur y de África, pero en los últimos años se han extendido por su buen resultado otros materiales como la tela prensada o la fibra de vidrio.

Material: Como decimos, últimamente están de moda los nuevos materiales, como la tela prensada o la fibra de vidrio, porque son los más resistentes a los cambios de temperatura y a los golpes; con unos cuidados mínimos, tendrás castañuelas para toda la vida. Sin embargo, hay quien prefiere el sonido de la madera de siempre y opta por las de granadillo, material que reúne las condiciones de dureza y sonido, muy demandado también por los profesionales. El ébano también es una madera dura con buena sonoridad.

Talla y color: La talla depende del tamaño de la mano. Las chicas usan normalmente la talla 6 y los chicos la 8. Es importante que los palillos no sobresalgan demasiado de nuestra mano, ni nos pesen más de la cuenta. También deben ser lo más discretos posible, así que elígelos en negro o marrón; pasarán más desapercibidos en el escenario.

Cuidado y mantenimiento: Para que las castañuelas suenen bien es necesario que estén bien hechas, pero además hay que templarlas, durante horas y horas de uso. Para mantener una buena sonoridad, no puede descuidarse su cuidado: conviene guardarlas siempre en su funda, pues la humedad, el frío y el calor excesivos pueden rajarlas y romperlas.

Las pollopas son castañuelas de plástico. Es una castañuela muy acertada en su relación calidad – precio, pensada para principiantes que no quieran gastar mucho dinero, o para niños. Su precio ronda los aproximadamente los 10 Euros y las más caras y/o de mejor calidad pueden llegar hasta unos 250 Euros en casas de renombre internacional para concierto y de fabricación a pedido exclusivo del cliente. Internacionalmente conocidos son los concertistas José de Udaeta y su discípulo José Luis Landry.

La fabricación artesanal de la castañuela

1. Una vez seleccionado el material, modelo y talla se procede al corte.
2. Se taladran los agujeros en la orejilla donde una vez finalizada la castañuela introduciremos los cordones.
3. Vaciamos la caja de resonancia.
4. Con lijas de diferente grosor daremos la forma final y la afinación
5. Por último pulimos, limpiamos y montamos los cordones

Cómo usar la castañuela

Es conveniente distinguir entre castañuelas de flamenco o danza española y castañuelas de jota. La diferencia es que las primeras se colocan en el dedo pulgar y las segundas en el dedo corazón.

Además, las castañuelas de danza española son más grandes y están hechas de un material diferente. Las de jota o ‘pulgaretas’ suelen ser más pequeñas.

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El esparto (Stipa tennacissima L.) es una planta conocida y utilizada por el hombre para hacer toda clase de útiles desde la antigüedad. Su área de extensión es más bien reducida, aunque propia del litoral mediterráneo, se encuentra en países como España, áreas de Italia y países del Norte Africano, desde Marruecos a Egipto.

Hierba de la familia de las gramíneas que crece espontáneamente en terrenos áridos y pedregosos, es propio de zonas como alicante, Almería, Murcia o la Mancha. En nuestro país las provincias más productoras han sido Murcia, Albacete, Granada y Almería, por este orden.

Es una hierba perenne, cespitosa, de hojas filiformes, flores hermafroditas reunidas en panojas laxas y fruto en cariópside, con tallo de sesenta a setenta centímetros de altura que produce una inflorescencia terminal en panícula y espiguillas unifloras, fue muy valorada por los romanos precisamente por su alta resistencia y perdurabilidad.

De los bordes de esta planta salen dos hilos que se arrancan cuando la planta está verde, estos hilos trenzados o tejidos serán la base de los aparejos del esparto. Trenzados son las llamadas «tomizas» y tejidos forman las pleitas o tiras anchas. La pleita se cosía normalmente con tomizas, y se basteaban (se reforzaban) con tomizas más gruesas llamadas «tomizones».

La manufactura del esparto ha sido parte importante de la vida cotidiana de nuestro pueblo.

Desde tiempo inmemorial, en el mundo rural encontramos objetos empleados tanto en el utillaje del agricultor como en los del ganadero. También ha estado presente en todo lo relacionado con la confección de herramientas para la casa de labor, serijos, cestos, alforjas, serones, bomboncillas, espuertas, etc.

ESPARTERO: Persona que trabaja el esparto en algunas de sus variedades. En una zona como la nuestra, eminentemente agrícola, el esparto tuvo bastante importancia en alguna época puesto que de este material se hacían muchos de los aperos utilizados en la agricultura; como por ejemplo las siguientes:

AGUADERAS: Probablemente su nombre derive de agua porque uno de sus fines era traer en ellas cántaros de agua aunque lógicamente se utilizaba para cualquier cosa; las aguaderas estaban formadas por cuatro compartimentos (llamados cujones), cuya medida era la de un cántaro, unidos dos a dos, y unidos cada pareja por unas tiras de pleita (dos o tres) de modo que cada pareja de compartimentos cayera a un lado del animal (burro, mulo o caballo), quedando la pleita de unión atravesando el lomo. Lógicamente por ser los tamaños de las bestias de carga diferentes, el espartero cuando hacía las aguaderas las hacía de un tamaño diferente, de bestia mayor o menor.

SERONES: De forma alargada especie de barca que se terciaba en las caballerías y que se utilizaba entre otras tareas para llevar el estiércol al campo. También por su cabida en algunas ocasiones se utilizaba para traer melones o sandías y cuando ya no quedaban demasiadas en el melonar y no era necesario utilizar el carro.

SERO: De forma cilíndrica y de altura aproximada de un metro, era empleado para el transporte de la aceituna, por lo cual la parte superior disponía de una tapadera cosida en un solo punto y que se cerraba con una cuerda. Su capacidad era de unos cuarenta y cinco o cincuenta kilogramos de aceitunas.

ESPORTÓN: Era para hacernos una idea, una especie de cestillo con dos asas que se utilizaba para el porte manual de cosas a depósitos más grandes, por ejemplo, las aceitunas desde el olivo hasta los seros. Si era de tamaño pequeño se llamaba ESPUERTA, y si era pequeñito ESPORTILLO.

ESTERAS: Es una pieza de esparto que hacía la misma función que hoy en día las alfombras o felpudos, utilizado para resguardar el pasillo de la casa, que entre otras cosas podía ser dañado por las caballerías al entrar hasta las cuadras. Eran numerosas las casas que para llegar de la calle al corral donde se encontraban las cuadras hubiera que atravesar todo el cuerpo de casa. Si la estera era de pequeño tamaño se llamaba ESTERILLA.

CINCHO: Especie de «corsé» para los quesos. Es una tira de pleita enroscada donde se mete la leche y la cuajada hasta que se va secando. Se le va apretando en algunos momentos para que se «escurra» el queso.

Aunque ha sido utilizado profusamente en la fabricación de útiles y herramientas desde neolítico, el esparto vivirá sus momentos más grandes de esplendor en el siglo XX, coincidiendo con las dos grandes guerras mundiales. El primero, entre 1914-20 que se prolonga hasta los 30, el segundo entre 1940-50 alcanzando a mediados de siglo su época de mayor vigores. En ambos casos el encarecimiento de otras fibras como el yute y cáñamo provocó una revalorización del esparto y su subida del precio; pero al iniciarse los planes de desarrollo y roto el aislamiento nacional al régimen de Franco, la llegada de fibras artificiales y la desproporción entre los costes de cogida y el precio del esparto provocaron su constante declive que terminará prácticamente con su recolección y ulterior transformación.

Mención aparte merece el uso de esta fibra para la confección de alpargatas y alborgas o esparteñas ya que a base de cosido y trenzado del esparto se confeccionaba la suela del calzado más popular de antaño o el especial para el trujal de las uvas.

Este calzado ligero, hecho de cuerda trenzada y de lona, es originaria de España. Ya en el siglo XIII fue llevada por los soldados a pie del rey de Aragón. El nombre « alpargata » viene de la palabra « esparto », una clase de yute utilizado originalmente para fabricar las suelas. Existe una gran variedad de tipos de alpargatas, fundamentalmente divididas en dos clases: las que se ajustan con cintas y las que no. En la actualidad es frecuente que la suela de esparto esté recubierta total o parcialmente de una fina capa de caucho, para protegerlas de la humedad y el desgaste. En la actualidad se usa corrientemente como prenda informal en los meses más calurosos.

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