LA ZARZUELA: cultura y tradiciones

21 marzo, 2017 at 21:24

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La zarzuela es una forma de música teatral o género musical escénico surgido en España que se distingue principalmente por contener partes instrumentales, partes vocales (solos, dúos, coros…) y partes habladas, aunque existen excepciones en las que estas últimas, las partes habladas, están completamente ausentes.

Por su origen y desarrollo es un género estrictamente español aunque su aspecto sea similar a otros europeos, como el singspiel alemán o la opéra-comique francesa, en los que también se alterna lo hablado y lo cantado.

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El término «zarzuela», aplicado al género musical y teatral, procede del Palacio de la Zarzuela, palacio real español situado en las proximidades de Madrid y en el que se hallaba el teatro que albergó las primeras representaciones del género.

No existe un único modelo de zarzuela. A lo largo del tiempo se han desarrollado numerosas variantes que afectan a la estructura y al contenido, encontrándose obras en uno o varios actos, sobre tipos de argumentos diversos o compuestas sobre muy distintas formas musicales de acuerdo con las modas de cada época.

Origen e Historia

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El periodo de vigencia de la zarzuela moderna apenas dura cien años, desde mediados del siglo XIX a mediados del XX. Sin embargo hay toda una historia anterior de 200 años con origen en la zarzuela barroca o mitológica.

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El territorio de desarrollo es España, con particular incidencia en Madrid, aunque se extiende a las colonias y áreas de influencia, como Hispanoamérica y Filipinas. De ahí la existencia de tipos locales como la sarsuela catalana o la sarswela filipina, incluso cantada en tagalo.

El término “zarzuela” aparece por primera vez en La esposa de los cantares, de Lope de Vega, escrita antes de 1620, donde se hace referencia al baile de la zarzuela: «Mudan aquí el baile y dicen el de la zarzuela».

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Específicamente, el nombre se refiere a un pabellón construido en la quinta de recreo llamada La Zarzuela, lugar de abundantes zarzas situado en el real sitio de El Pardo, cerca de Madrid, donde Felipe IV, tras las partidas de caza, asistía a diversos espectáculos teatrales. En la época, la caza y el teatro se consideraban entretenimientos «limpios» y dignos de la realeza. El palacio de la Zarzuela es en la actualidad la residencia del rey de España.

Palacio de la Zarzuela

Lo construye Juan Gómez de Mora entre 1630 y 1638, y se decora interiormente con escenas amatorias y venatorias de la mitología.

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La actividad teatral se incrementa a partir de 1655, cuando Gaspar de Haro, marqués de Heliche y alcalde del Palacio del Buen Retiro, se convierte en director de los teatros de la corte.

Allí se representan comedias y obras en las que se alternan palabra y música. Son las primeras zarzuelas.

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Desde 1656, Calderón de la Barca se convierte en uno de los principales autores del género al escribir una serie de obras que se representan allí.

Teatro de la Zarzuela

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El Teatro de la Zarzuela es el primer y único teatro de la lírica española, y el representante por excelencia del legado musical del país. En el año 2006 cumplió sus primeros ciento cincuenta años de vida artística.

Los orígenes de la zarzuela moderna se enlazan muy pronto con los de su primer y único recinto creado en todo el mundo para la gloria de la lírica española, el Teatro de La Zarzuela. La historia se remonta a los años cincuenta del siglo XIX, cuando los principales promotores del nuevo género: Francisco Asenjo Barbieri, Joaquín Gaztambide, Rafael Hernando, José Inzenga, Francisco Salas, Luis Olona y Cristóbal Oudrid, que habían constituido la Sociedad Artístico Musical, deciden ofrecer al público un local moderno y confortable -a tono con los nuevos aires que corren en la ciudad- junto a la céntrica calle de Alcalá.

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Después de varios años de éxitos continuados, en 1856, los arquitectos Jerónimo de la Gándara y José María Guallart y Sánchez construyen una sala creada para la ya popularizada zarzuela (sala en forma de herradura con tres órdenes de palcos). La inauguración tuvo lugar el 10 de octubre de ese año, el día del cumpleaños de la reina Isabel II.

Lamentablemente un incendio destruye todo el recinto en 1909, pero pronto se reconstruye y vuelve a abrir sus puertas en 1913.

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En 1994 el Teatro de la Zarzuela es declarado Monumental Nacional. No hay que olvidar que este recinto es hoy el representante por excelencia del legado musical del país. Así que el Teatro de la Zarzuela ha mantenido siempre firme su máxima de ser un Teatro para un género… y un género para un Teatro. Hasta aquí esta breve historia del primer y único teatro de la lírica española, La Zarzuela, que en el año 2006 cumplió sus primeros ciento cincuenta años de vida artística.

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EL TRAJE DE FLAMENCA: artesanía con historia

10 febrero, 2015 at 22:29

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El traje de flamenca es la indumentaria que utilizan las bailaoras de flamenco durante sus representaciones o bailes. Estamos ante el traje que mejor refleja la cultura española.

El traje de flamenca es el elemento más característico y vistoso del flamenco. Se trata de un vestido largo y entallado que llega hasta el tobillo y se adorna con varios volantes que se colocan tanto en la falda como en las mangas. Se confecciona en alegres colores tanto en diseños lisos como estampados, siendo los más típicos los trajes de lunares.

Su antigüedad se remonta a la costumbre de la mujer andaluza de clase baja y de las gitanas de finales del siglo XIX y comienzos de XX, que no era más que una bata acompañada de volantes que usaban para la faena.

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Desde 1847, con motivo de la Feria de Abril del ganado de Sevilla, muchas acompañaban a sus maridos trasladándose de forma provisional en casetas de lona, las ahora conocidas como casetas de feria, y usando sus peculiares trajes para lucirse en tan gran evento.

Lo que en principio era una feria de ganado terminó siendo una feria más bien de ocio y aquellas batas engalonadas de la andaluza de clase baja, paso a ser un reclamo en entre las señoras de más alta alcurnia, al poder lucir una prenda que realzaba la figura femenina. Además la profesionalización del flamenco con un vestuario enriquecido en tejidos y complementos en los escenarios, encumbró aun más si cabe a esta vestimenta tradicional andaluza.

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Aquella bata que comenzó siendo una prenda de cuerpo amplio, pasó a ser el “traje de feria” para grandes y pequeñas, familias acomodadas y humildes, no había distinción de clases ni edad, y su evolución ha ido paralela con el resto de diseños que se actualizaban con cada época. Este hecho llamó tanto la atención que las distintas clases de alta cuna comenzaron a copiar la indumentaria a partir de la Exposición Iberoamericana de Sevilla de 1929. El traje de flamenca había dado el salto a formar parte de la moda.

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Nunca se vio a  ilustres, estrellas del cine, realezas de todo el mundo que vistieran otro traje  “típico español” que no fuese el de flamenca: Ava Gadner, Gracia de Mónaco, Reina Sofía,…

Si hubiera que definir brevemente al traje de flamenca, es que es el único traje regional de toda España que varia y evoluciona  en función del tiempo y la moda.  Es una vestimenta viva, cada año se renueva y se reinventa, se le añaden nuevos complementos y materiales y ya los hay para el día, la tarde o la noche.

Otro elemento fundamental e imprescindible son los complementos: mantones o mantoncillos, flores en el pelo, pulseras, abanicos, pendientes grandes llamados también zarcillos, peinetas, peinecillos todos en un ilimitado juego de combinaciones de colores y variantes. ¿Y las flores? Las mujeres de los tratantes adornaban su pelo con flores silvestres que iban encontrando por los caminos. Flores de colores que luego derivaron en el clavel rojo. (además de adornar, las perfumaban después de largos viajes con escasez de agua). Las chicas de las familias más ricas escogían rosas rojas, blancas, amarillas o rosas; flores más selectas.

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¿Qué es el flamenco?

El flamenco es un fenómeno musical que, pese a sus raíces populares, sobrevive a los tiempos y las modas y trasciende fronteras y nacionalidades.

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Es un arte vivo que ha bebido de todo tipo de tendencias sin perder su personalidad. Pero su principal característica es la conexión con el público que participa de forma emotiva y sentimental. Aunque sea la primera vez que se acerca a esta disciplina, la sensibilidad se despierta y llega al corazón. A este misterio característico se le conoce como duende. Por eso el flamenco también recibe el nombre de arte jondo, porque ahonda en los sentimientos. También hay quien le llama arte gitano por la influencia que ha aportado esta etnia a su nacimiento y desarrollo.

El arte flamenco es el resultado de una suma de culturas musicales que se desarrollaron en Andalucía y se transmitieron de generación en generación. Su historia no es muy antigua y cuenta con poco más de doscientos años de existencia. Sin embargo, en esta música se pueden hallar huellas ancestrales de la música judía, la árabe, la castellana, la antigua andaluza y la gitana, es decir, de todos los pueblos que pasaron por Andalucía. Los que más influyeron sobre la base del folclore andaluz para el surgimiento del flamenco fueron los gitanos. Llegaron a España en el primer cuarto del siglo XV, aunque hasta mediados del siglo XIX no aparece la palabra flamenco en referencia a los cantes y bailes de la región andaluza en España.

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El traje de flamenca y la moda

El traje de flamenca dio un salto vertiginoso a la moda, llegando a ser el identificativo de España por todo el mundo.

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Foto: Pepo Herrera

Un traje regional con la singularidad de que varía y se reinventa con nuevos tejidos, complementos, encajes, visuterías, volantes, mantones de manila… El traje de flamenca es conocido como “cuerpo de guitarra” ya que realza y estiliza la figura femenina, y así se fue transformando poco a poco en un marcado  escote en pico, redondo o cuadrado según la moda, para realzar el pecho femenino y ciñéndose en el talle para luego abrirse en la cadera con los volantes a forma de clavel. Todo esto, acompañado de un peinado recogido en moño y con la cara despejada viéndose los rasgos tan marcados y la extraordinaria belleza de la mujer morena andaluza.

Hoy en día, el sector de la moda flamenca ya mueve más de ciento veinte millones de euros (veinte mil millones de pesetas) anualmente, según datos de la Asociación de Empresarios de la Moda Flamenca, cifra cuyo grueso se reparten una treintena de fabricantes concentrados principalmente en la provincia de Sevilla.

Muestra de la pujanza de este segmento es el Salón Internacional de Moda Flamenca (Simof).

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Y es que el traje de flamenca se ha hecho hueco hasta en la alta costura como inspiración para modistos como Yves Saint Laurent, Armani o los sevillanos Vittorio & Lucchino.


EL MANTÓN DE MANILA; artesanía con historia

28 octubre, 2014 at 19:56

EL MANTON DE MANILA

El mantón de Manila es un complemento de vestir femenino, muy popular en Madrid (por sus trajes de chulapas) y Andalucía, asociado generalmente a las bailarinas de flamenco.

Su nombre está asociado al puerto de Manila (Filipinas), donde la colonia española desembarcaba los productos traídos del Lejano Oriente durante el siglo XVI. En realidad el origen de esta prenda está en China donde se realizaban en seda y estaban bordados a mano generalmente de flores o pájaros. En un principio estaban decorados con dragones, diseños de bambúes o pagodas (decoraciones típicas chinas).

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Sobre sus dimensiones es significativo mencionar que debía – por lo menos – cubrir toda la espalda y llegar al extremo de cada brazo, cuando éstos se ubican en posición de cruz con el torso. Por otro lado es de destacar que cuanto más liviano esté confeccionado, mucho mejor para poder soportarlo cómodamente sobre el cuerpo y lucirlo con más prestancia al efectuar movimientos o figuras (en este último caso y más precisamente, se hace referencia a su utilización generalizada por las bailarinas (bailaoras) de flamenco).

EL MANTON DE MANILA_flamenco

En la época imperial española (siglo XVI) el comercio marítimo se concreta en varias rutas: una de ellas es la ruta de Manila a Veracruz (México) y a Sevilla (Andalucía). Sevilla conoce el mantón traído de Manila (de ahí su nombre) muy prontamente, y algún pueblo del Aljarafe, como es Villamanrique, estuvo relacionado con este comercio, por ser el marqués de Villamanrique Virrey de México.

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En poco tiempo, las decoraciones chinas de los mantones fueron sustituidas por motivos autóctonos; desaparecieron los dragones, el bambú y las pagodas y aparecieron rosetones y pájaros, rosas, claveles y otras flores, cada una con su significado (lirio: pureza; margarita: impaciencia; rosa: secreto; girasol: fidelidad). También fue en España donde se le añadieron los flecos.

LLEGADA A ESPAÑA MANTON DE MANILA

Poco a poco, el mantón de Manila se fue convirtiendo en una prenda habitual del vestido femenino por toda la geografía española (en Madrid las chulapas, las mañas en Aragón y los mantoncillos en diversos trajes regionales son muy comunes también…), pero más especialmente en el sur, tanto entre las mujeres pudientes de la alta sociedad como entre las clases populares. La moda pasó y el mantón dejó de ser vestido cotidiano, pero quedó asociado al vestuario flamenco, sobre todo de bailaora, y a los vestuarios regionales.

En la actualidad se hacen concursos y exposiciones de mantones y se confeccionan auténticas maravillas.

La primera Dama de los Estados Unidos,  Michelle Obama, se llevó uno de regalo en un viaje de carácter privado que realizó a España. Se le regalaría pensando que era el obsequio más significativo del país que visitaba para una dama.

VIDEO “EL MANTON DE MANILA”


LA GUITARRA ESPAÑOLA: artesanía con historia

8 septiembre, 2014 at 20:32

LA GUITARRA ESPAÑOLA

La guitarra es un instrumento musical de cuerda pulsada, compuesto de una caja de madera, un mástil sobre el que va adosado el diapasón o trastero, generalmente con un agujero acústico en el centro de la tapa y seis cuerdas. Sobre el diapasón van incrustados los trastes, que permiten los diferentes tonos. Su nombre específico es guitarra clásica o guitarra española.

Es el instrumento más utilizado en géneros como blues, rock y flamenco, y bastante frecuente en cantautores. También es utilizada en géneros tales como rancheras y gruperas, además del folclore de varios países.

Cuando el instrumento es más pequeño que una guitarra se denomina requinto y cuando es más grande guitarrón. Este último es de uso frecuente por los mariachis.

Guitarron mariachis

Entre los instrumentos que surgieron en Europa en el periodo medieval se  encuentra el instrumento conocido ya en varios países como guitarra,  aunque no con la forma que nosotros conocemos en la actualidad. El modelo  de guitarra actual, la guitarra clásica o española, nació según la mayoría de  los investigadores en los reinos hispánicos hacia el siglo XIV. Ahora  bien, las divergencias se encuentran a la hora de señalar por qué camino llegó la guitarra a la Península Ibérica, cuál fue su antecedente más directo como instrumento y sobre todo, a qué pueblos o culturas hay que atribuir su creación.

En la obra de Maurice J. Summerfield (tercera edición 1992, Ashley Mark  Publishing Company), se ofrece una interesante hipótesis sobre el origen de  la guitarra española. Summerfield opina que debe descender de los  instrumentos romanos tanbur o cithara, llevados a España por los romanos  aproximadamente en el año 400 d.C. Esta teoría se opone frontalmente a la  convencional, que dice que el antecesor directo de la guitarra es el ud,  instrumento llevado a España por los moros después de la invasión de España  durante el siglo VIII.

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Cualquiera de estas dos teorías podría ser aceptada como válida, pero a fin de cuentas, lo que nos va a dar la clave del surgimiento de la guitarra es el contexto histórico y cultural en el que se produce. Es decir, si tenemos en cuenta que a lo largo de la mayor parte del periodo medieval en el que se formó la guitarra reinos cristianos y musulmanes se disputaron el territorio de la península Ibérica, y que esa larga y obligada convivencia provocó una constante mezcolanza de población y culturas, parece lógico pensar que la guitarra, más que un instrumento musical de raíces únicamente europeas o árabes, debe ser considerado como un instrumento que nació en la Edad Media como consecuencia del contacto, intercambio y mutua influencia de las culturas hispano-cristiana e hispano-musulmana, sin olvidar la influencia de la música de la población de origen judío.

A finales del siglo XV apareció la vihuela, nacida al añadir dos cuerdas y  aumentar el tamaño a la anterior guitarra. Aunque la guitarra en aquel entonces ya existía, la vihuela y el laúd siempre ensombrecieron a esta.

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Solo a partir del siglo XVIII y a principios del XIX, las guitarras comenzaron a usar  seis cuerdas y se añadieron las costillas a la tapa armónica, reforzando la estructura y permitiendo adelgazar la tapa, obteniendo así mejores sonidos. Se comenzó a utilizar un mástil reforzado y elevado (diapasón) usando ébano o  palisandro y se sustituyó el antiguo clavijero de madera por el clavijero de tornillo. Estas guitarras son reconocidas indudablemente como las primeras guitarras clásicas.

Hacia el año 1850, la guitarra se preparó para el mayor desarrollo de su historia.  Antonio Torres Jurado refinó los soportes de la tapa armónica creando el actual  abanico. Aumentó la caja de resonancia y el ancho del mástil. Gracias a estas  mejoras, el volumen del sonido y la respuesta de los bajos fueron sorprendentemente mejorados. Ahora la guitarra estaba preparada, no solo para la interpretación solista, sino también para la interpretación en un grupo instrumental. Si quieres conocer mejor a este ilustre personaje y su aportación a la guitarra española puedes visitar el Museo de la Guitarra Española ‘Antonio de Torres’.

museo antonio torres jurado

La guitarra flamenca

la guitarra flamenca

En cuanto a la guitarra flamenca, su toque, su aire, es libre y vagabundo y, sin embargo, la realidad es que está aprisionado en una inexorable vestidura rítmica, en un compás que varía según los estilos, pasando del rasgueado a las falsetas. Por todo ello, la guitarra ha cumplido en la historia del arte flamenco un capítulo de singular importancia, algo fundamental y clave, una labor digna de encomio al dar salida y entrada de la copla, al cante y cerrar los últimos tercios. Máxime si tenemos en cuenta que los tocaores flamencos –salvo rarísimas excepciones– no leen música, sino que saben música por intuición, a través de una extraña y luminosa disposición de su sensibilidad. De ahí que la improvisación del tocaor flamenco sea continua. Una improvisación que, por otra parte, es la causa de la riqueza expresiva de la guitarra flamenca, incomparable en el ámbito universal de la música, para asombro de propios y extraños, y parte importante de que el flamenco haya sido nombrado Patrimonio de la Humanidad.

La nómina de guitarristas flamencos es sumamente extensa a partir del granadino El Murciano (1795-1848), quien asombró con su arte al compositor ruso Glinka. Le siguieron, entre otros, payos y gitanos: el Maestro Patiño, el Maestro Pérez, Paco El Barbero, Paco de Lucena, Miguel Borrull, Amalio Cuenca, el Maestro Bautista, Salvador Ballesteros, Ramón Montoya, Carlos Montoya, Melchor de Marchena, Niño Ricardo, Esteban de Sanlúcar, Sabicas, Currito de la Jeroma, Manuel Cano, Mario Escudero, Juan Serrano, Manuel Morao, Juan y Pepe Habichuela, Andrés Batista, Serranito, Paco Cepero, Manolo Sanlúcar, Parrilla de Jerez, Paco de Lucía, Enrique de Melchor, Gerardo Núñez, Moraíto, Rafael Riqueni y Vicente Amigo. Guitarristas, la mayoría de ellos, que han alternado sus actuaciones de acompañamiento del cante y del baile con giras de conciertos.

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La guitarra española ha sido glosada por poetas y escritores. Recordemos que José María Pemán la llamó «desnudo sonoro». Y Tomás Borrás escribió: «Guitarra del pecho roto,/ estás hecha al sentimiento./ La prima grita la herida,/ el bordón dice el misterio./ Tu canción es preludio/ preludiar eterno./ melancolía de la muerte./ anhelo, angustioso anhelo/ y dolor indefinido,/ y locura de noche y deseo,/ palabras sin sentido en las falsetas./ y sollozar de rasgueo». La dimensión musical y asombrosamente variada de la guitarra es admirada por todo el orbe. Es, por lo tanto, auténticamente lógico que signifique, indiscutiblemente, un orgullo español desde el ayer al hoy.

La fabricación de la guitarra

¿Cómo se construye una guitarra española? ¿Qué hace tan especial el hecho de construir una guitarra? ¿Por qué hay una profesión especializada en su creación? ¿Dónde residen las dificultades? Todas estas preguntas conducen a una antigua profesión: la luthiería.


LAS CASTAÑUELAS: artesanía con historia

21 mayo, 2014 at 20:22

LAS CASTAÑUELAS

Las castañuelas son un instrumento de percusión con siglos de antigüedad; su origen se remonta al año 1000 ac. a los fenicios, una cultura inminentemente comercial, que prosperó en los países de la cuenca del mediterráneo: Grecia, Turquía, Italia,  España, etc.

Sin embargo, a través de la historia, ha sido España el país que ha conservado y ha desarrollado su uso desde entonces, las castañuelas son parte del patrimonio cultural de España (se consideran el instrumento nacional del país). Así, las castañuelas se utilizan generalmente para dar color y un carácter español a la música.

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Las castañuelas consisten en dos pedazos de madera especial que son en forma de platillo profundo, generalmente  de castaño, aunque se han utilizado otras maderas y  materiales en épocas más contemporáneas. Se perfora cada par para poner una cuerda ornamental, que se coloca alrededor del pulgar. Los tonos de los pares son distintos, generalmente; el más bajo se llama macho (varón) y el  más alto hembra. El par que suena más alto normalmente se lleva en la mano derecha. Las conchas cuelgan hacia abajo y son manipuladas por los dedos. Cada instrumento está hecho a mano y conforme al tamaño de la mano de su usuario.

Este estilo español de tocar castañuelas  se utiliza con poca frecuencia por una orquesta sinfónica, no sólo porque son difíciles de utilizar y  dominar sino también porque hay solo  cuatro concertistas profesionales de castañuelas en el mundo. Normalmente las orquestas utilizan dos conchas unidas a un palito que el maestro percusionista hace vibrar.

Las castañuelas se emplean generalmente en música (para dar ese carácter español) como en Carmen de Bizet,  la Rapsodia España de Chabier, y el ballet El Cid de Massenet.

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Wagner escribió para las castañuelas  la música de Venusberg en Tannhauser (1861). También ayudan a establecer el ambiente de la escena en la Danza de los Siete Velos en Salomé de Richard Strauss.  Britten las empleó en su “Hacemos una ópera”, donde imitan el grito de un pájaro en la noche. También utilizan con frecuencia para apoyar la estructura rítmica, como en el Tercer Concierto de piano de Prokofiev.  Las castañuelas se consideran quizás el más sofisticado de los instrumentos de percusión.

Asociadas en la actualidad con los bailarines de flamenco, se tocan rítmicamente o en “trinos“, añadiendo vivacidad y relieve a la danza, aunque su utilización no es exclusiva del folclore andaluz. En efecto, las castañuelas son igualmente populares en otras zonas de España. En este sentido, son remarcables las usadas en el folclore ibicenco y aragonés (la jota). Numerosos compositores de los siglos XIX y XX las introdujeron en sus obras para otorgarles un sabor de “sentimiento español”.

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Manuel Vela Martínez “Filigrana”, revolucionó este instrumento típicamente español: La Castañuela. Descubrió las castañuelas de “fibra” hace más de 50 años, incorporó a la castañuela la caja de resonancia e investigó durante 40 años sobre sus orígenes.

Los Materiales

El mejor material para la construcción de castañuelas es la madera, mejor cuanto más dura sea. Pueden ser de boj, de nogal, de palo santo, de ébano… Cuenta con especial aprecio la de granadillo, madera importada de América del Sur y de África, pero en los últimos años se han extendido por su buen resultado otros materiales como la tela prensada o la fibra de vidrio.

Material: Como decimos, últimamente están de moda los nuevos materiales, como la tela prensada o la fibra de vidrio, porque son los más resistentes a los cambios de temperatura y a los golpes; con unos cuidados mínimos, tendrás castañuelas para toda la vida. Sin embargo, hay quien prefiere el sonido de la madera de siempre y opta por las de granadillo, material que reúne las condiciones de dureza y sonido, muy demandado también por los profesionales. El ébano también es una madera dura con buena sonoridad.

Talla y color: La talla depende del tamaño de la mano. Las chicas usan normalmente la talla 6 y los chicos la 8. Es importante que los palillos no sobresalgan demasiado de nuestra mano, ni nos pesen más de la cuenta. También deben ser lo más discretos posible, así que elígelos en negro o marrón; pasarán más desapercibidos en el escenario.

Cuidado y mantenimiento: Para que las castañuelas suenen bien es necesario que estén bien hechas, pero además hay que templarlas, durante horas y horas de uso. Para mantener una buena sonoridad, no puede descuidarse su cuidado: conviene guardarlas siempre en su funda, pues la humedad, el frío y el calor excesivos pueden rajarlas y romperlas.

Las pollopas son castañuelas de plástico. Es una castañuela muy acertada en su relación calidad – precio, pensada para principiantes que no quieran gastar mucho dinero, o para niños. Su precio ronda los aproximadamente los 10 Euros y las más caras y/o de mejor calidad pueden llegar hasta unos 250 Euros en casas de renombre internacional para concierto y de fabricación a pedido exclusivo del cliente. Internacionalmente conocidos son los concertistas José de Udaeta y su discípulo José Luis Landry.

La fabricación artesanal de la castañuela

    1. Una vez seleccionado el material, modelo y talla se procede al corte.
    2. Se taladran los agujeros en la orejilla donde una vez finalizada la castañuela introduciremos los cordones.
    3. Vaciamos la caja de resonancia.
    4. Con lijas de diferente grosor daremos la forma final y la afinación
    5. Por último pulimos, limpiamos y montamos los cordones

Cómo usar la castañuela

Es conveniente distinguir entre castañuelas de flamenco o danza española y castañuelas de jota. La diferencia es que las primeras se colocan en el dedo pulgar y las segundas en el dedo corazón.

Además, las castañuelas de danza española son más grandes y están hechas de un material diferente. Las de jota o ‘pulgaretas’ suelen ser más pequeñas.